Adiós a George Michael, el ícono pop que vivió sin prejuicios

George Michael In Concert At The Arena - Amsterdam - June 26th, 2007

George Michael murió ayer a los 53 años a causa de un ataque cardíaco, según Billboard.

Como una fiel seguidora del cantante, quedé en shock ayer cuando vi la noticia en la BBC a eso de las 6:20 p.m. Simplemente no lo podía creer, uno de mis cantantes favoritos ochenteros, George Michael, se había ido a los 53 años. Era imposible no sentir tristeza. El ícono pop británico que vendió más de 100 millones de discos a nivel mundial y que tuvo una carrera exitosa por más de tres décadas, había dejado este planeta. Hasta hoy se esclareció que la muerte del artista ocurrió debido a un aparente ataque cardíaco, según informó la revista Billboard. Una vez más, el 2016 se llevaba a una súper estrella de la música, uniéndose al ramillete de artistas como David Bowie, Leonard Cohen y Prince.

¿Cómo lo recuerdo ahora? como un cantautor y compositor libre, irreverente y extremadamente talentoso que por encima de sus escándalos y tropiezos siempre luchó contra todo tipo de estereotipos (fue un símbolo de los derechos de la comunidad LGBTI) y se destacó por sus canciones sensuales y pegajosas tanto como solista como cuando hizo parte de la agrupación Wham!, las cuales marcaron a toda una generación por siempre. Sus letras eran himnos de liberación a todo nivel. George Michael, -y cuyo nombre real era Georgios Kyriacos Panayiotou-, al igual que Madonna se convirtió en un representante de la cultura pop y un ícono sexual entre los ochenta y los noventa, época en la que reconocidas actrices y modelos hacían parte de sus videoclips.

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En los 80 con su look de barba de tres días y chaqueta se convirtió en un ícono homosexual. 

En 1992 hizo una presentación inolvidable en Wembley en un concierto tributo a Freddie Mercury, concierto por el cual será recordado hasta la posteridad y fue en 1997 cuando hizo parte de los 30 artistas que grabaron un tributo a Diana de Gales. Con una personalidad reservada en cuanto a su vida personal, trató de ocultar por un buen tiempo su homosexualidad, hasta que se declaró abiertamente en gay 1998 cuando un policía encubierto lo detuvo en Los Ángeles por el intento de realizar un acto sexual con él en un baño público. Verse obligado a admitirlo en esas circunstancias lo hizo blanco de críticas, incluidas las de su compatriota Boy George, que años después diría que le había hecho “un mal a la comunidad homosexual”.

Ese no fue su primer y último escándalo. George Michael, quien marcó tendencia con su espesa barba de tres días, sus chaquetas de cuero, su pendiente con la cruz y sus gafas de espejo, tuvo durante su vida problemas con las drogas y el alcohol al tener diversas detenciones por tenencia y consumo, y los de salud. El cantante de ‘Careless Whisper’ pasó cuatro semanas preso en 2010 por embestir con su Range Rover una tienda del norte de Londres tras haber fumado marihuana. En 2011 estuvo ingresado en la unidad de cuidados intensivos por una neumonía y en 2013 sufrió un traumatismo en la cabeza tras sufrir un accidente mientras conducía su Mercedes Benz y admitió haber consumido drogas, pero escapó a una pena de cárcel tras aceptar cumplir 100 horas de tareas de interés social.

En marzo del 2014 sacó a la venta su trabajo ‘Symphonica’, su último álbum de estudio, que tardó tres años en producir y en 2017 tenía previsto estrenar un documental sobre estos últimos años, en que ha vivido alejado de los focos públicos. A un día de su partida, sus seguidores se han acercado a dejar flores y sus condolencias en su ubicada en Londres y así rendirle un sentido homenaje. Mientras tanto, para mi y aquellos que disfrutamos de su música, esta Navidad agridulce será recordada más que nunca con su tema ‘Last Chritsmas’… y como dice la canción… “Last christmas, I gave you my heart, but the very next day, you gave it away. This year, to save me from tears I’ll give it to someone special”.

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Sus fans le rinden homenaje en viviendas del Norte de Londres y Oxfordshire. (Foto: Reuters)

Recordémoslo de la mejor forma, subiéndole el volumen a este top 15, que según mi opinión, son sus mejores canciones para homenajearlo:

1. Wham! – Wake Me Up Before You Go-Go

2. Careless Whisper

3. Wham! – Last Christmas

4. Freedom! ’90

5. Too Funky 

6. Faith

7. I Want Your Sex (Stereo Version)

8. Monkey 

9. Outside 

10. Fastlove

11. George Michael, Elton John – Don’t Let The Sun Go Down On Me (Live)

12. Queen & George Michael – Somebody to Love (The Freddie Mercury Tribute Concert)

13. Amazing 

14. Flawless (Go to the City)

15. Freeek

 

 

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Jhonez, El Príncipe del reggaetón de la Ciudad Bonita

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Este joven bumangués es uno de los principales exponentes del género en la ciudad. 

Se apagan las luces y el humo sale de los costados de la tarima, mientras los gritos del público aclaman al joven bumangués de 24 años, El Príncipe Jhonez, quien con su voz y ritmo reggaetonero pone a bailar a todos con la canción ‘Quiero decirte’, nombre de su primer álbum con el cual debutó en la escena musical local el 13 de abril del 2010.

Jhoneyder Peña Pinzón, más conocido como el El Príncipe Jhonez, desde los 8 años ha deslumbrado con su talento, al haberse presentado a esa edad frente a más de 5.000 personas en el Velódromo y dos años después, al haber tenido la oportunidad de darse a conocer en el programa Factor Xs del canal RCN, donde estuvo en campos de entrenamiento vocal en la ciudad de Bogotá.

“Mi nombre musical viene de mi mismo nombre, ya que mis amigos me decían siempre Jhon o Jhonez y lo de príncipe si salió porque mi mamá y mi familia siempre se han referido a mí de esa manera”, afirmó el artista que cultivó desde los dos años su amor por la música, al escuchar cantar a su mamá, intérprete de rancheras.

Como un niño prodigio, fue a los cuatro años que comenzó a desarrollar el gusto por el violín, la trompeta y el piano, y desde ese momento, empezó a componer e interpretar sus propias canciones, logrando una gran aceptación por parte de cierto público que disfruta de este género bailable, al que él le ponía el toque con sus letras románticas.

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El Príncipe Jhonez se destaca por realizar presentaciones en colegios y discotecas. 

A diferencia de reconocidos cantantes de reggaetón como Maluma, J Balvin, Reykon, entre otros, El Príncipe Jhonez se destaca por su estilo juvenil y descomplicado que le canta al amor y al deseo, manteniendo el toque discotequero que caracteriza al género. “No me siento identificado con ningún artista de reggaetón actual, quiero ser un artista diferente a los que hay actualmente”, dijo.

Los temas que ha sacado hasta al momento y que han pegado, sobretodo en la red social YouTube superando las 7.000 vistas son: ‘Sin Ti No Puedo Vivir’, ‘Tu Me Provocas’, ‘Una Aventura’, ‘Quiero Decirte’ y ‘Quiero Estar Contigo’. “Siempre me ha gustado la inspiración y la improvisación se me facilita mucho. Las canciones que he lanzado son historias de mi vida y de mis amigos y que buscan dar un mensaje positivo a la gente”, comentó.

Entre los artistas con los que este joven le gustaría en el futuro realizar una colaboración están Daddy Yankee, Don Omar, Justin Bieber, Plan B, Arcangel y Ñego y Dalmata. Asimismo, entre sus ayudas, están el haber dado la mano a un joven de un pueblo que tenía el sueño de grabar un tema y juntos grabaron la canción ‘Culemba’. Bam Bam Jey Z es otro artista con el que tuvo la oportunidad de colaborar y grabaron un feat de la canción ‘Tú me provocas’. De igual forma, con el productor Juan Carlos (Dejabu) montó la letra del tema ‘Sin ti no puedo vivir’.

La evolución musical de El Príncipe Jhonez ha sido vertiginosa y exitosa gracias a la calidad de su trabajo y el esfuerzo que le impregna a cada proyecto. “Veo mi avance musical muy bueno, a la gente le gusta y les encanta lo que hago, constantemente me llegan mensajes diciendo que les gusta mi show y mis canciones y eso es lo que me motiva. Mi mayor sueño es tener mi apartamento lleno de muchos reconocimientos musicales”, señaló.

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El artista de 24 años se encuentra trabajando en un nuevo disco que saldrá en octubre. 

Próximamente, el trabajo que lanzará el artista, y que aún no tiene nombre, tendrá seis canciones originales que prometen pegar duro en las emisoras locales y nacionales. La propuesta es que será un disco muy discotequero y que pondrá a bailar a todos los jóvenes. Se espera que el disco se dé a conocer en octubre de la mano de la productora Capital Musik, mientras tanto, El Príncipe Jhonez seguirá deleitando a sus seguidores en diversos escenarios y eventos de la ciudad y el país.

Fan Page de El Príncipe Jhonez

The Rolling Stones, por fin en Colombia

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The Rolling Stones culminarán su gira en Latinoamérica el próximo 25 de marzo con un concierto gratuito en La Habana (Cuba).

A pocas horas de que la británica leyenda del rock The Rolling Stones encomandada por el único e irrepetible Mick Jagger se apoderen de la tarima del Coliseo El Campín en Bogotá, sus fans y seguidores de su más de medio siglo de carrera musical no dejan de pensar en el playlist que tocará el cuarteto y que deleitará mañana a los más de 40.000 espectadores en la capital del país.

Mientras va alistando motores para asistir tal vez a uno de los mejores conciertos que presenciará en su vida, o si de lo contrario no alcanzó a comprar la boleta, le dejamos por aquí el listado de las canciones favoritas de los colombianos según la empresa Ocesa en alianza con Deezer, y que es posible que las vea mañana en vivo. A disfrutar con toda de “Sus Majestades Satánicas”.

20. Miss You

19. Can’t You Hear Me Knocking

18. Start Me Up

17. Angie 

16. Paint It Black 

15. She’s A Rainbow 

14. (I Can’t Get No) Satisfaction

13. Under My Thumb

12. Gimme Shelter 

11. Ruby Tuesday 

10. Wild Horses

9. Sympathy For The Devil 

8.  Streets Of Love 

7. Tumbling Dice 

6. Midnight Rambler 

5. Anybody Seen My Baby 

4. Street Fighting Man

3. Rain Fall Down

2. Dead Flowers

  1. Jumping Jack Flash

Gustavo Cerati en su cumpleaños 54 sigue luchando

“No nos sirven las palabras, gemir es mejor ¿o no?”. Gustavo Cerati

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Gustavo Cerati

La ‘fuerza natural’ alrededor de Gustavo Cerati, aún se siente. Por siempre será el símbolo de toda una generación. Este músico, cantautor, compositor y productor discográfico argentino cumplió este 11 de agosto 54 años y continúa en estado de coma tras un accidente cerebrovascular sufrido el 15 de mayo de 2010 tras dar un concierto en Venezuela. Es el tercer cumpleaños que su familia pasa en la clínica Alcla de Buenos Aires, esperando el fin de este calvario. Pero a pesar de eso, aún muchos lo recordamos: desinhibido, eléctrico abajo y arriba del escenario, trabajador inagotable.

Gustavo Adrián Cerati Clarck nació en Buenos Aires, el 11 de agosto de 1959. Es el primogénito de una familia conformada por tres hermanos, único varón, y mostró desde pequeño una fuerte inclinación musical, por lo que a los nueve años comenzó a estudiar guitarra y a los 12 conformó un trío con el que se presentaba en fiestas particulares y en eventos que se realizaban en el colegio religioso al que concurría. Llegó a dirigir el coro de la iglesia.

Cuando cursaba la escuela primaria en el religioso Instituto San Roque, solía alternar sus juegos y su pasión por el Racing Club de Avellaneda con la dirección del coro de la escuela. Ya escuchaba encerrado en su habitación The Police y Deep Purple; le daba vueltas a ‘A Trick of the Tail’, aquel mítico álbum de Génesis que estaba entre sus favoritos, y a las canciones de Queen, a quien luego homenajeó con su banda grabando una versión de ‘Someday One day’.

Durante su etapa adolescente, Cerati participó en grupos experimentales, como Sauvage y Vozarrón. Estudió publicidad en la Universidad del Salvador, donde en 1982 conoció a Zeta Bosio. Mientras estudiaba tocó en dos bandas: una de rock and roll y blues, y otra de fusión. Más tarde y gracias a un contacto hecho por su hermana, Gustavo Cerati y Zeta Bosio conocieron a su colega Charly Alberti. El trío precursor del rock de los años 80 quedó conformado así: Gustavo Cerati en voz y guitarra, “Zeta” Bosio en bajo y Charly Alberti en batería. Así se formó la banda Soda Stereo, que marcó un antes y un después en el rock argentino, la banda cuya historia se ha documentado por décadas. Por ejemplo, sus siete discos en estudio, que se convirtieron en objeto de culto para sus fanáticos. O los siete álbumes adicionales con grabaciones en vivo, versiones remezcladas y compilaciones, de 1984 hasta 1997.

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Look ochentero de Soda Stereo

Corrían los días de la dictadura cuando Soda Stereo asomó en los escenarios, con una propuesta que renovaba el rock a punta de golpes de aire fresco, una corriente fundacional que fue la base de futuras agrupaciones que también hicieron historia. En su carrera en Soda Stereo, movió masas de jóvenes latinoamericanos y luego a nivel mundial al ritmo de su “Persiana Americana”.

Durante el auge de Soda Stereo, Cerati se animó con algunos proyectos independientes en forma simultánea, y luego de editar 14 álbumes se separaron amistosamente. Antes de retirarse hicieron una gira mundial, que incluyó a México, Venezuela y Chile. Finalizaron en el estadio River Plate de Buenos Aires. El grupo vendió millones de discos en todo el mundo y se convirtió en uno de los más influyentes de la música argentina y latinoamericana. “Soda” se disolvió en mayo de 1997 y cada uno de sus integrantes siguieron sus carreras musicales por separado.

A partir de 1999, Cerati sintió que llegó la hora de la música electrónica. De entonces son sus discos con los músicos chilenos de Plan V y su etapa solista con álbumes como ‘Bocanada’ y ’11 Episodios sinfónicos’. Su primer álbum como solista, Amor Amarillo, fue muy bien acogido por el público y desde ahí su carrera musical despegó como un cohete. A lo largo de su carrera como solista ha ganado y ha sido nominado para numerosos premios, entre ellos Grammy Latino, MTV y Gardel. Además de tocar guitarra, maneja una serie de diferentes instrumentos musicales, incluyendo electrónicos como sintetizadores. No tardó en ser reconocido como un par por Charly García y el resto del mundo del rock.

Lo vimos regresar con Soda Stereo en el 2007, de la que quedó un disco y el recuerdo de una gira histórica, “Me verás volver”, y desde entonces compartió escenario con múltiples músicos y cantantes, como Andrés Calamaro, Shakira o Mercedes Sosa, por citar sólo a algunos.

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Look de Soda en el 2007

Días antes de presentarse en Caracas, el fatídico 15 de mayo de 2010, dio una entrevista a la televisión argentina desde Los Ángeles, donde acababa de actuar. En ella, daba cuenta de “un problemita de salud que me obligó a parar los ensayos. Me dolía mucho la pierna, sentí como calambres pero ya estoy bien…”. Nadie llegó a pensar que aquello era un aviso de lo que se desató días después en Caracas y que mantiene en vilo a sus fanáticos.

Los homenajes esta semana en el mundo a esta leyenda del rock latinoamericano no se han hecho esperar. “Un 11 de agosto de 1959, a las 6:30, en la pequeña compañía de María, nació Gustavo Adrián. Cuando lo tuve en mis brazos y lo puse sobre mi pecho, y lo conocí por fin, no podía parar de llorar de felicidad”, dijo su madre Liliana Clark en un mensaje grabado. Por su parte sus hijos, Benito y Lisa Cerati le han rendido un homenaje a su padre en esta importante fecha, posteando mensajes en las redes sociales como “todo lo que lo admiro no tiene nombre” y “Me pregunto por qué las lágrimas serán saldas?”.

Asimismo artistas, disqueras y medios de comunicación enviaron mensajes recordando al artista y deseando que despierte pronto. Agrupaciones como Bajofondo y Café Tacvba escribieron a través de twitter mensajes de fuerza para Gustavo Cerati. El artista plástico Gustavo Masó, trabajó por años en un video que muestra un mensaje grabado por la mamá del músico, Lilian Clarke. A continuación el video en el cual se le rinde homenaje:

Así como todos los fans y admiradores de su música, tengo la esperanza de que algún día lo veremos volver, como dice su canción La Ciudad de la Furia. Estará imponente en los escenarios, renaciendo como el ave fénix y brillando como la leyenda del rock que será para siempre. #FuerzaCerati. Pronto pasará el temblor.

Top 20 de las mejores canciones de Gustavo Cerati en su carrera musical, homenaje en su cumpleaños:

20. Bocanada

19. Tabú

18. Un misil en mi placard

17. Canción Animal

16. Paseo Inmoral

15. Juego de Seducción

14. Lo que sangra (La Cúpula)

13. Ella usó mi cabeza como un revólver

12. Cosas Imposibles

11. Cuando pase el temblor

10. Té para tres

9. Deja Vu

8. Nada Personal

7. De Música Ligera

6. Trátame Suavemente

5. Persiana Americana

4. Te llevo para que me lleves

3. Zoom

2. Puente

1. La Ciudad de la Furia (Con Andrea Echeverri)

Cómo saber si eres un fan de Cerati

Las mejores frases célebres de Cerati

Sitio Oficial de Cerati

Dos años sin Amy Winehouse y su legado aún vive

“La música me permite ser sincera, hasta el punto de que hay canciones que a veces me niego a cantarlas porque me resultan muy duras”. Amy Winehouse

British singer Amy Winehouse performs at the Brit Awards at Earls Court in London

Amy Winehouse

Creo que Amy es una de las pocas personas que no se pueden describir en una sola palabra, porque ella fue compleja, única e incomprendida. Esta chica que nació en el norte de Londres, con raíces judías, siempre soñó con ser negra y no es para menos, ya que su voz lograba transmitir sentimientos profundos, lo que le abrió las puertas a su debut como cantante con el álbum Frank, -en honor a las canciones de Frank Sinatra que su padre le cantaba de pequeña-, pero fue en el 2006 que su nombre se inmortalizó en el mundo entero.

Con Back to Black, nos hizo sentir admiración al mostrarnos qué significaba cantar con el alma. A partir de ahí, éxitos como Rehab, You Know I´m no good, Back to black y Tears dry on their own hicieron elevar su carrera al estrellato. Fue una mujer vulnerable y sensible, que con su música nos deleitó hablándonos del amor y otras penas.

Ella fue tan brillante como autodestructiva, poseedora de una voz profunda, a veces sexy y otras tantas oscura y desgarrada, influenciada por el jazz y por el soul.  Nos trajo de vuelta al presente ritmos entonces olvidados por la mayoría del público y los fusionó con R&B, blues, reggae, e incluso ska.

Fue una de las pocas que nos recordó a las divas de siempre, con su toque personal de tatuajes vintage, ojos delineados, zapatos de tacón, peinado al estilo colmena y vestidos cortos, además de una presencia en el escenario inolvidable. Se convirtió gracias a su estilo en un ícono de la moda y referente para diseñadores como Karl Lagerfeld y Jean Paul Gaultier.

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Look característico de la cantante

Pero a pesar de su talento increíble, su vida personal estuvo cargada de controversia y conflictos internos. Esto hizo que se sumara al grupo de la generación de los 27, en donde se encuentran cantantes que fallecieron antes de cumplir los 28 años a causa de excesos con drogas y el alcohol, entre los que están Kurt Cobain, Jim Morrison, Janis Joplin y Jimi Hendrix.

Al cumplirse este mes dos años de la muerte de “La Diva del Soul”, el vacío sigue ahí para los fans y los que la ponemos a la par de la artista Billie Holiday. La lucha continua que libró a lo largo de su vida con la adicción a las drogas y el alcohol, la derrotó, dejando su carrera artística en el mejor momento el pasado 23 de julio de 2011.

Existen hasta el momento dos versiones de su muerte. La más conocida apunta a que se relacionó con una gran ingesta de alcohol, aunque su hermano Alex Winehouse manifestó recientemente que Amy había fallecido debido a un trastorno de bulimia que no fue capaz de superar.

El legado que nos dejó con su música es incalculable, además que contribuyó a que se tuviera en cuenta en el mundo de la música a otras mujeres que tenían influencias del jazz, blues, soul y R&B como Joss Stone, Leona Lewis, Adele e incluso Lana del Rey.

El álbum Back to black se convirtió en el más vendido del siglo XXl en el Reino Unido y en 2012 la cadena VH1 la ubicó en el puesto 26 de las 100 mejores mujeres en la música. La última grabación de Winehouse fue Body & Soul, un dueto con el reconocido cantante estadounidense Tony Bennett, el cual fue lanzado el 14 de septiembre de 2011 en MTV y VH1 para conmemorar lo que hubiera sido su cumpleaños número 28.

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A pesar de su temprana partida de este mundo, Amy seguirá brillando en el firmamento de las inconclusas pero inmortales estrellas. Siempre la recordaremos en cada canción, en cada imagen, en cada pedazo de ella que nos dejó, porque como dijo alguna vez a sus 14 años, “quiero ser recordada por ser simplemente yo”, y así, siempre estará en nuestros corazones.

A continuación, mi Top 10 de sus mejores canciones para recordarla:

10. Take the Box (Frank)

Fue la canción de su primer álbum que alcanzó la posición más alta en las listas musicales. La letra trata sobre la separación de su pareja luego de que la cantante descubriera que la engañó.

9. Help Yourself (Frank)

Fue el último single que se extrajo de Frank y se lanzó en formato doble. No gozó de un éxito descomunal, pero desde luego es uno de los cortes que más clase derrocha, un medio tiempo excepcional que rezuma una positividad poco habitual en el resto de las letras firmadas por la cantante.

8. Just Friends (Back To Black )

Es el sexto sencillo de su segundo álbum y una de sus pocas canciones que abandonan el R&B o pop y que incursionan en el género reggae.

7. The Girl From Ipanema (Lioness: Hidden Treasures)

Es una canción que data del año 2002, pero que solo salió a la luz pública en el 2011, días después del fallecimiento de la cantante.

6. Love is a Losing Game (Back to Black)

Una de las canciones que solía tocar en vivo Amy Winehouse era “Love is a losing game”, un sencillo que hizo parte del álbum Back to Black con el que logró consolidarse como una de las voces más espectaculares de los últimos tiempos. Esta canción llego a ser una de las más sonadas en Italia durante el 2007. Fue interpretada por Prince, alabada por George Michael y llegó al puesto número 6 de los listados de R & B del Reino Unido.
5. You know I´m no good (Back to Black)

El amor, o mejor dicho, las relaciones jodidamente conflictivas, fueron el leit motiv de Back To Black. Ningún tema retrata mejor el ambiente de este tipo de encuentros. En el año 2008, la canción entró a la lista de los Billboard Hot 100.

4. Valerie

El sencillo “Valerie” es un tema reconocido de la banda británica The Zutons, pero Amy Winehouse decidió en el año 2007 hacer un cover en compañía del Dj y productor británico Mark Ronson. Este tema hace parte de uno de los discos de Mark. Sigue siendo uno de esas canciones indispensables a las que la inglesa le puso voz. Perfecta para animar cualquier hora nocturna.

3. Tears dry on their own (Back to Black)

Era la época del moño descomunal que caracterizó su imagen con la llegada de su segundo disco – siempre me pregunté de qué estaría relleno -, de los primeros excesos pero de las grandísimas actuaciones en directo en las que todavía deslumbraba por encima de cualquier otra premisa. Este sencillo musical de Amy Winehouse tiene un sinnúmero de versiones, las cuales han salido en diferentes recopilaciones de música británica. La canción estuvo en el top 50 de las canciones más escuchadas de Europa durante el 2007; además, se posicionó en el puesto #16 del UK Single Chart. Es el segundo tema, después de Rehab, en posicionarse tan alto en las listas musicales.
2. Rehab (Back to Black)

Es una canción autobiográfica compuesta por la misma cantante inglesa. El tema describe su problema con el alcohol y las drogas, y su rechazo a internarse en una clínica de rehabilitación. Esta canción hace parte del álbum Back to Black, el cual es considerado como uno de los mejores del nuevo siglo en el Reino Unido. Winehouse logró 3 premios Grammy gracias a esta canción, entre los que se destaca “mejor canción de año”.

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Aunque este sencillo no logró entrar fuertemente a América Latina y Estados Unidos, si llegó a ser un éxito total en países europeos como Austria, España, Italia y Suiza. La canción obtuvo doble disco de platino en el Reino Unido y se posicionó en el 4to lugar del UK R&B Singles Chart. En el 2011 fue utilizado por la famosa serie norteamericana Glee, en donde crearon su propia versión.

Manu Chao, el trotamundos de la música

Manu Live @ Autin - Credit jaywestphotography.com

José Manuel Arturo Tomás Chao, más conocido como Manu Chao, nació en París el 21 de Junio de 1961, hijo de periodista gallego y madre vasca. Este cantautor francés de origen español creció en una familia rodeada de intelectuales, cantantes, compositores y artistas, muchos de ellos refugiados de dictaduras sudamericanas. Desde pequeño, mostró gusto por la música, lo que lo llevó a acercarse a instrumentos como la guitarra y los instrumentos de percusión, este último regalado por el célebre amigo de su padre,
Alejo Carpentier.

A los 14 años ya vivía enamorado del punk, especialmente de la banda The Clash y a partir de eso, desde 1985 empezó a tocar en bandas como los Hot Pants o Los Carayos, que formó con su hermano mayor Antoine, con estas bandas logró adentrarse en el mundo alternativo de la escena parisina, la cual se desarrollaba en las locales improvisados como bares, casas ocupadas o fábricas abandonadas.

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Manu Chao en su juventud

Dos años después, en la Ciudad Luz nació Mano Negra, banda multirracial y heterogénea que formó con su hermano Antoine (trompetista) y su primo Santiago Casiriego (Batería), en esta banda mezclaron ritmos como rock, rumba, hip-hop, salsa, rai y punk, las canciones eran cantadas en francés, español, inglés y árabe, Manu era el encargado de escribir las letras y era el líder del grupo.

La banda de Manu en 1988 estrenó Patchanka, la cual no definió el sonido característico de la propuesta pero fue un magnífico adelanto, ya que precedió el impacto profundo al año siguiente de Putaís Fever, una placa que los sacó de Francia para capturar Estados Unidos. El ritmo latino fiestero y pachanguero combinado con un discurso afilado e insurgente, fichó a Mano Negra como una banda desatada y peligrosa cuya ideología captaba rápidamente adeptos en Japón o India, en Brasil o México, en Israel o China.

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En 1992 hicieron lo que en la jerga marxista se llama “trabajo de masas”, se metieron en un barco e iniciaron una gira por América Latina, pero se detuvieron más tiempo en Colombia. Recorrieron cada pueblo adonde los condujo el tren que tomaron, entre la guerrilla, la represión, las mafias de la droga, los dominios de los paramilitares. Una historia que el padre de Manu describió en Un tren de fuego y de hielo, y que el grupo convirtió en música en Casa Babylon (1994), uno de los mejores álbumes de Mano Negra. Tiempo después la banda se disolvió. Algunos miembros de la banda actuaron entonces bajo el nombre de Radio Bemba por culpa de disputas legales derivadas de la separación.

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Portada del álbum Casa Babylon de Mano Negra

Ya en solitario, Manu realizó colaboraciones externas (los mexicanos Tijuana no, los brasileños Ckank, los argentinos todos tus muertos, el español Tonino Carotone, entre otros) además de que realizó una peregrinación por África y América con un “estudio de grabación” que cabía en su mochila. En estos viajes recopiló fragmentos y sonidos de diferentes culturas, los cuales reunió en su primer disco como solista: Clandestino.

Clandestino es la representación de la complicidad de amigos, la recopilación de instantáneas llenas de ritmos melancólicos, poesías de amor, melodías invitando al baile, todas ellas enmarcadas en un disco único que de manera inesperada ocupó un sitio de máxima importancia en el panorama musical. Potente y rudo, enérgico y trotamundo, callejero y festivo, tres millones de discos después manu Chao fue convertido en mito no por quienes compraban su álbum, sino por quienes se reconocían en sus canciones.

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Clandestino, su primer álbum como solista

Este artista es un compositor compulsivo, por eso extraña demasiado que “Próxima estación: Esperanza” no ofrezca algún tema deslumbrante. Será porque todo el disco parece en realidad una sola canción difundida por una radioemisora de un pueblo perdido en algún rincón olvidado de América Latina. Algunos de esos lugares donde suele dedicarse a escribir canciones, en español, francés, inglés, portugués. No tiene límites. Tarda en publicar porque es un perfeccionista obsesivo, de lo contrario al año podría estrenar tres discos. “Me cuesta mucho acabar los álbumes”, le dijo a la revista Rock de Lux “Lo de escribir y sacar canciones para mí es un proceso bastante fácil. Pero también creo que lo importante es no forzar. Si hay inspiración, hay; y si no, no pasa nada. Para mí eso de crear con el sufrimiento se acabó”.

A partir de estos álbumes el status de Manu Chao como artista libertario se posicionaría a nivel mundial, componiendo canciones sobre el amor, la vida en ghettos y la inmigración con un fuerte mensaje de izquierda. A lo largo de su carrera musical ha estado comprometido con diversas causas sociales siendo el portavoz de varios movimientos antisistema (desde los okupas a los manifestantes antiglobalización) y su popularidad le ha convertido en influyente figura pública a la cual todo el mundo quiere asociarse.

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Manu Chao, un artista que mueve masas

Manu Chao en su gira por Sudamérica, se presentó en tres ciudades de Colombia entre la última semana de marzo y la primera de abril del año pasado. Medellín fue la primera en recibir al artista el 29 de marzo en el Aeroparque Juan Pablo II junto Alcdrikoz y Providencia. En Cali el concierto se realizó el 31 de marzo en las canchas de Beisbol Panamericano en compañía de Herencia de Timbiquí y Zalama. Y en Bogotá se realizó el 3 de abril frente a treinta mil personas que abarrotaron la colonial Plaza de Bolívar, en el llamada concierto de La Esperanza, auspiciado por la alcaldía de la ciudad.

Manu Chao deleitó a Bogotá con canciones como Radio Bemba, Clandestino, El Señor Matanza, Me gustas tú, Bienvenido Tijuana, entre otros temas, hicieron las delicias de un público que no dejó de saltar y aplaudir a Manu, quién lució una camiseta multicolor y su infaltable gorra. Los que no pudieron seguir el concierto lo vieron a través de gigantescas pantallas de televisión dispuestas por la Alcaldía de Bogotá en los alrededores de la plaza. Entre las bandas que acompañaron a Manu Chao estuvieron Skampida, Nawal y La Etnia y la Derecha.

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Manu Chao en Bogotá el pasado 3 de abril del 2012

Con conciertos deslumbrantes como los que dio en Colombia, Manu Chao deja entrever una vez más su singularidad como cantante, su desparpajo a la hora de subirse al escenario y su capacidad para representar a una sociedad golpeada y que tiene mucho por decir y denunciar. Se ha convertido a lo largo del tiempo en la voz de varias generaciones inconformes con el sistema y dispuestas a generar cambio en el statu quo. La música de Manu Chao se ha convertido en medio de protesta ante tantas injusticias que se ven a diario en el mundo. Por ahora, este extravagante y único cantante seguirá deleitando al mundo con su música única y original, porque, todavía hay Manu Chao para rato.

Página Ofical de Mano Chao

Entrevista en el diario El País de España

Información completa sobre el artista

Aplicación para Android de Manu Chao

Pink Floyd, Un muro de psicodelia

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Imagen del álbum “The Dark side of the moon”

Nació a finales de los 60´s como respuesta a una sociedad que buscaba un cambio en sus oídos, una sociedad que estaba interesada en escuchar sonidos diferentes, a partir de esa necesidad surgió Pink Floyd.

Esta banda comenzó su historia musical tocando en sitios underground de Londres, lugares en donde la música era capaz de mover las almas de sus asistentes. En un principio se llamaron Sigma 6,7, y después de varios cambios se decidieron por el nombre de Pink Floyd Sound, el Sound se desvaneció con bastante rapidez, pero el The sería utilizado regularmente hasta 1968. Pink Floyd es famoso a nivel mundial por ser el padre del rock psicodélico y actualmente es considerada como una de las bandas más importantes en la historia del rock, al tener más de 300 millones de álbumes vendidos en todo el mundo.

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Pink Floyd en sus inicios con sus 5 integrantes: El guitarrista Bob Klose, el vocalista y teclista Richard Wright que falleció en el 2008, Nick Masson que estuvo a cargo de la batería, el vocalista principal, Syd Barret, primer líder, y por último el bajista Roger Waters.

Entre sus integrantes el más problemático fue Syd Barret, primer vocalista, el cual duró sólo un año en la banda debido a su extraño comportamiento causado por el consumo de drogas como el LSD, haciendo que fuera sustituido por David Gilmour en 1968. Durante esta época muchos álbumes se convirtieron en grandes éxitos comerciales, como The Dark Side of the Moon (1973), Wish You Were Here (1975), Animals (1977) y The Wall (1979).

Tiempo después, Roger Waters, líder de la banda, declaró en 1985 la extinción de Pink Floyd, haciendo que tras el juicio obtuviera los derechos exclusivos sobre toda la imaginería que desplegaban en sus conciertos (incluido su famoso cerdo volador) y los derechos sobre el espectáculo audiovisual de The Wall.

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Show característico de The Wall

The Wall, con el tiempo se convirtió en el álbum más icónico y famoso de la banda, no sólo por ser un álbum, sino por la reconocida película, la cual fue dirigida por Alan Parker, productor inglés que llevó a la pantalla grande a Evita, logrando reflejar en el filme las ideas de Waters con el simbolismo de las caricaturas realizadas por Gerald Scarfe, en donde básicamente se narra una historia sobre los bombardeos alemanes sobre Inglaterra en la Segunda Guerra Mundial entremezclados con la vida personal de Waters.

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Portada del icónico álbum

Se puede describir a The Wall como una propuesta fantasiosa que permite seducir con franqueza y delicadeza los sentidos de todo aquel que se compenetra en sus letras, su lenguaje visual y su textura musical. Todas ellas hacen una danza en las emociones y permiten crear pensamientos que alteran y reconstruyen a nivel personal la manera de ver e interpretar esta invitación a la “revolución”.

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Imágenes de la palícula The Wall

Es así como estamos enfrentándonos a una banda indiscutiblemente fuera de este mundo, que espera plasmar en su obra un caudal de sentimientos que cargan con él y que desean ser expuestos al mundo y con esto provocar una sobre identificación magistral, una respuesta casi inmediata del público y por supuesto hacer que todos usen ese mismo “disfraz” de revolución y psicodelia, característicos de un estado alterado de conciencia pero muy centrado en aquella realidad de fantasmas y fantasías. La obra dibuja y da pleno valor y verdad a lo relatado, pero curiosamente encuentra una manera de engranar su puesta en escena con el público afectado y expectante, de allí nace la estimulación sufrida e impactante de su espectáculo.

Lo que hace diferente y único a esta banda, es que juega en cada momento con los complejos que normalmente sufriría un ser humano normal, los deseos y pasiones más insatisfechas se trasmutan con la fuerza de sus letras y éstas mismas son las que desatan tanto inconformismo al personaje de “Pink” quien es el eje central de la historia. Al tener él ese incumplimiento relacionado con el afecto, es así que nada de lo que para otros es tal cual para él sólo es una distorsión, así el mundo sea visto de un solo color, para él todo está relacionado con el afecto y esto no le permite ver las cosas con tranquilidad sino con mucho miedo, un miedo que está muy dentro de sí mismo y es el causante de toda una triste metamorfosis mental.

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El mundo siempre psicodélico de Pink Floyd

Es un álbum realmente salvaje y esto se refleja en la canción “Another Brick in the Wall”, la cual está cargada de muchos matices con situaciones ingobernables y castrantes, producto de una sociedad ambigua y silenciosa, que no grita que no protesta que no desea vivir sus sueños, donde los eufemismos de una realidad cruda y desagradable, eran mutilados por la burla y agresividad de quien tenía la vara en su mano, y todas las cosas que sentían y pensaban eran castigadas con un gran martillo autoritario en un espacio donde la mente quedaba en un túnel sin eco y en una mirada sin ojos. Es una época donde sólo existe ira, desorientación y confusión.

Definitivamente la revolución que propone Pink Floyd es una de las más simbólicas del Rock, porque es la revolución de la alteración de la mente, una revolución que difiere de las otras que han existido porque pone a pensar a sus espectadores, a ver más allá del mundo común represivo y de la sociedad oprimida que absorbe las almas de todos.

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Escena del video de Another Brick in The Wall

A partir de una propuesta creativa como lo es The Wall se busca sensibilizar a cada persona para que deje de ser ese “Pink” transtornado con una infancia castrada y evolucione a un estado en el que pueda romper ese “muro” y pueda ver una realidad diferente y hermosa que espera allá afuera.

Página Oficial de Pink Floyd

Aniversario 40 de The Dark Side of The Moon

The Wall Full Album

Lista de canciones

Lista de álbumes

Hipgnosis, colectivo de Diseño Gráfico que diseñó la mayoría de los álbumes de la banda