Carlos Eduardo Serrano, un artista intrépido e irreverente

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Carlos Eduardo Serrano además de ser artista plástico es arquitecto y literato. 

Con su look de rastas, gafas de sol y su cigarrillo en la mano (solo Lucky Strike) va por la vida feliz y relajado el artista bumangués Carlos Eduardo Serrano, quien a sus 61 años es reconocido en la escena local y nacional por su estilo irreverente que entrelaza corrientes como el performance, el dibujo, la fotografía, la literatura y la pintura, siempre sorprendiendo a los espectadores con sus obras y escritos que ven como un caleidoscopio una sociedad colombiana llena de contrastes y estereotipos.

La curiosidad de querer entender todo lo que veía a su alrededor y el sentir a temprana edad atracción por imágenes recortadas en los tableros de madera en los escritorios de los empleados de la empresa de tabaco de su padre, fueron sus primeros inicios que despertaron en él el interés por el arte visual, sobretodo, admirando instantáneas de actores de cine, recuerdos familiares, entre otros elementos iconográficos personales para cada quien.

Más adelante, el rebelde que dejó al tercer semestre la carrera de arquitectura para estudiar bellas artes en el Dicas, se deleitaba en Zapatoca viendo como Teyito, un señor que hacía de escultor y arreglaba cosas con una gran creatividad. Muchas veces pudo ver en vivo y en directo como armaba telescopios y otro tipo de objetos, el taller era todo un menjurje dadaísta que lo sedujo hasta lo más profundo.

El haber sido un niño inquieto e indomable hizo que lo echaran de 16 colegios en 10 ciudades del país, hasta que por fin se graduó en uno de Cali, en el Alférez Real, lo que lo hizo codearse con gente interesante que vivía en el tiempo de Andrés Caicedo. “Cuando estaba haciendo once conocí dos tipos de personas que me marcaron mucho, primero los que estaban en casa de retiro de un gurú (Áshram), y segundo, el compartir con personas de color, ellos tenían muchos intereses artísticos y algunos estudiaban en la escuela de bellas artes”.

Así fue como despegó su carrera, pintando por allá en los años 80, teniendo como íconos a seguir al reconocido artista vallecaucano Omar Rayo por los elementos geométricos y Víctor Vasarely por su importante obra a nivel mundial, además de los expresionistas alemanes, identificándose con el morbo social.

Entre las aficiones de este artista está la literatura, la cual nació de las lecturas de su escritor favorito, Yukio Mishima, por lo cual estudió esta carrera en la Universidad Autónoma de Bucaramanga. “Me gusta escribir muchísimo, soy bastante sórdido pero siento que mi obra en unos años puede ser interesante para las personas. Solo escribo en internet, en mi blog que se llama Popolguane, tiene más de 70 mil entradas y se mantiene en la onda “underground”, dijo Serrano.

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Este destacado artista bumangués a viajado por diversos países del mundo. 

Uno de los momentos más gratificantes para él fue cuando se ganó el segundo puesto en el salón nacional de artistas en 1987, ya que muy pocos artistas han llegado allá, entre ellos Botero, Grau, Obregón y otros artistas de la contemporaneidad. Él sabe que vivir del arte es difícil, sobretodo en Colombia, por lo que ha subsistido dictando clases en universidades como la UIS y la Antonio Nariño, además de trabajar para diversos proyectos al estar vinculado al Instituto Municipal de Cultura y Turismo.

Una de sus obras más conocidas recientemente vía Facebook fue “Masturbarse por la paz de Colombia”, la actividad fue un éxito y llegó a invitar a 25.000 personas y contó con la participación activa de cerca de 3.800 personas de todo el país a través de esta red social. Las cuatro condiciones que se tuvieron en cuenta fueron: masturbarse en solitario, al momento de tener el orgasmo enviarlo mentalmente a la Plaza de Bolívar en Bogotá, en el acto de la masturbación pensar en la paz para Colombia y finalmente escoger el motivo de su masturbación para quien deseara.

Este año, desde enero, se encuentra trabajando en un nuevo proyecto que se llama “Homenaje a Porfirio Barba Jacob” y que consiste en volver a la artesanía del hacer, ir al extremo opuesto del performance y volver a lo básico. Para ello, se encuentra reencauchando la técnica de retocar las fotos, como se hacía a principio del siglo XX, y luego el aplicar la tinta china sobre diversos rostros. “El proceso que realizo es usar unos dibujos que hice unos años atrás en lápiz, escojo ocho al azar, los estudio y de acuerdo a lo que quiero, busco el rostro de una persona que se parezca al dibujo”, comentó.

De esta manera, realiza módulos de ocho rostros en los que ha plasmado personajes famosos como Marilyn Monroe, David Bowie, Fidel Castro, Richard Wagner, entre otros. El último módulo lo realizará con personas conocidas de Facebook, buscando gente que tenga algo interesante en la mirada. “Mi idea es exponer la obra en todo su esplendor, quiero mostrarla en un espacio amplio y poderoso, espero pronto llevarla a feliz término”, culminó.

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Jorge Mantilla Caballero, 54 años de arte irreverente

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El maestro Mantilla Caballero es un referente del arte a nivel local, nacional e internacional. 

Reconocido por su fachada de rey guerrero de la Edad Media con barba y cabello blanco, amor por la naturaleza y afición por los tatuajes; el maestro bumangués de las artes plásticas, Jorge Mantilla Caballero, sacará a relucir muy pronto su sensibilidad artística a través de la nueva obra que se encuentra realizando y en la cual conjuga su pasión por el dibujo con una gran variedad de tonalidades y colores para expresar emociones cotidianas. Paraíso Cultural lo entrevistó y esto fue lo que nos contó sobre su trayectoria la leyenda viviente del arte.   

Este año se cumplen 54 años de ser una leyenda artística a nivel local, nacional e internacional, ¿qué puede decir de su trayectoria artística?

Son muchas cosas las que pasan en 54 años gráficos. Mi carrera es absolutamente autodidacta, esto significa que he visto, debido a fuentes muy diferentes, el arte como tal. Cuando fui joven tuve la oportunidad de salir del país e irme a los Estados Unidos, allí encontré otra vida y otros sentimientos gráficos. Esto me abrió una puerta a la reflexión sobre lo que era el arte realmente, lo que había estado viendo, sintiendo, analizando, desde muy temprana edad aquí en Colombia y encontré que no teníamos punto de relación, esa era otra cultura completamente opuesta a la nuestra y a pesar de estar ocho años allí, decidí regresar y comenzar de nuevo con los ingredientes gráficos propios de nuestra patria. Desde siempre lo he venido haciendo.

¿Cuáles han sido sus momentos más memorables?

Una de las sorpresas más agradables que tuve fue el encontrar en mi familia, mis padres, ninguna oposición a que fuera artista, lo cual me dio mucha seguridad. Después, al ser un poco mayor y más maduro, participé en un festival en Francia, en el cual obtuve la paleta de oro y el premio del público en 1967. Una de mis mayores felicidades fue cuando pude con dos o tres amigos hacer exposiciones de formato muy libre y de criterios muy contemporáneo en el Colombo Americano y después en la Alianza Colombo. Mis momentos más felices han sido cuando he podido hacer mi labor gráfica de acuerdo a mis experiencias estéticas dentro de colecciones, de gente que aprecia el arte.

¿Cómo ha sido su evolución como artista?

Los informes iniciales artísticos los encontré en San Antonio de Táchira, en donde en las librerías vendían cartillas y libros de temas generales, yo le pedía a mis papás que me compraran esta información. Allí también conocí a personas en mis tiempos juveniles que me permitieron acceder a un acrílico, a un pincel, algunos insumos que necesita básicamente un artista en su taller.

Luego comencé a dibujar y a tener claro que el dibujo y la pintura pueden ser compatibles, pero son manifestaciones estéticas separadas y que el dibujo es una disciplina y la pintura otra disciplina. Comencé a entender la escultura, procesos y posibilidades que pueden tener las formas de género actoral, entonces hice unas aproximaciones al teatro, lo cual me sirvió porque después puede entender el performance, las acciones en vivo y estas actividades que ahora están muy en boga, pero que ya en los Estados Unidos eran conocidas en la época, lo mismo que las tendencias de los expresionistas.

A mí me interesó mucho el expresionismo por ejemplo, porque hablaba de las situaciones sociales y de las conductas básicas que impulsan al hombre a reaccionar contra una sociedad, una manera estatal de manifestar el poder, de malinterpretar por sus mandatarios. Comencé a leer mucho sobre la primera y segunda guerra mundial, las escuelas de entreguerras, me interesé mucho en el dibujo que se veía en Alemania y comencé a hacer ejercicios en torno al expresionismo.

Asimismo, desde muy joven entendí que el color es una sensación que hay que entenderla para poderla depurar, mis primeros trabajos no fueron de colores puros. Luego, empecé a interesarme mucho por los colores elaborados y lo mismo por los sistemas de manejo de la línea, del espacio, de las rupturas e improntas sobre los mismo espacios. De ahí, mi acercamiento con el collage, los elementos que pueden pertenecer a algo que llamamos el ensamblaje, me percaté de técnicas que no tienen nada que ver con las usuales sino que entendí que era el objeto encontrado, las ideas que salen del artista están muy relacionadas con la fantasía, es decir el surrealismo. Fue un abanico de posturas, posibilidades en el arte, apuestas al ensayo y el error, fui entendiendo con claridad que mis ideas venían de mí y no del mundo exterior, ahí pude empezar a hablar de mis sentimientos.

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El maestro Mantilla Caballero tiene su taller ubicado en su casa en Girón. Tomada de Facebook.

¿Cuál es la esencia en su obra? ¿Qué lo distingue de los demás pintores figurativos?

Yo veo siempre en el interior mío cómo se va desfigurando el mundo por los malos tratos que la humanidad se ha dado entre sí a través de los siglos y el pésimo manejo estatal que durante muchos periodos gubernamentales han acaecido tanto en Colombia como en otros países. Esto me produce repulsión de las personas que pasan a mi lado y extraigo de ellas sus características más interesantes, como son por ejemplo los ojos que producen una tristeza inimaginable, ver tanta gente con múltiples problemas a toda hora.

Las personas que tienen defectos físicos le hacen pensar a uno si el cuadro es accidental de ese asunto o viene de una genética o los humanos estamos haciendo invivible la vida a los demás. También veo continuamente a los niños que están siendo cada vez más distantes de las crianzas habituales, porque el mundo se disparó lógicamente hacia una velocidad alarmante a final del siglo XX y el resto del siglo XXI. Esas han hecho que mi expectación con el mundo sea extraer básicamente los fantasmas que están siempre en todas las personas y en mi mundo los veo como ejemplos de algo que es inmortal y a la vez que hay que verlo con mucha decisión porque son figuras muy impactantes.

¿Cómo ha sido la experiencia de vivir del arte?

Es muy particular y extraño, en mi caso he sido muy afortunado. Desde que comencé a trabajar, a las personas les interesó mi trabajo. En un principio no sabía por qué, después vine a saber que la gente si quiere el gesto, si desea entender una realidad no decorativa, una visión que les hable de cosas sensibles. Durante toda mi vida he tenido la oportunidad de vivir de mis producciones, lo cual es algo muy afortunado como dije, ya que hay muy pocos artistas que lo han logrado.

Realmente a través de mi tiempo como un hombre que sigue vigoroso en el trabajo, encontré el apoyo genuino de las personas que están al lado de uno, como es mi caso el apoyo que tengo de Iliana Castellanos, mi esposa, me puedo dedicar únicamente a pintar, dibujar o hacer cualquier tipo de experimentos.

Esa libertad no se la pueden dar muchos porque tienen otras preocupaciones en mente, yo gozo del no horario, gozo del día que quiera hacer algo a pesar que lo hago a diario que es viendo o escribiendo obras de otros artistas, discutiendo con Iliana las posibilidades de trayectoria de mi trabajo y lo que pienso dejar para la posteridad y un futuro lejano e inmediato. Fue el destino que me tocó vivir de una manera muy amplia y afortunada. Mis compañeros de la juventud no tuvieron esa oportunidad.

¿Qué es lo que más disfruta hacer en su tiempo libre?

Me interesa mucho la naturaleza viva, es decir me interesan las plantas, una costumbre mía es ver plantas que son naturales, que no son impostadas. Me interesa mucho lo que tiene que ver con los cactus, el manejo de plantas como los bonsáis, las plantas acuáticas, carnívoras y las plantitas pequeñas y su metamorfosis de la naturaleza. Me interesan los gatos como mascotas porque no presentan los mismos espectáculos de dependencia que da un perrito, son más independientes y eso me agrada.

Las aves me gusta verlas pero no tenerlas presas, sería terrible para mí. Me interesa dentro de las cosas simples las lecturas de ciencia ficción, Umberco Eco, leo con frecuencia En nombre de la rosa, veo muchas cosas de Julio Verne, lecturas juveniles como Emilio Salgari, veo cositas de escritores que han sido incluso de la iglesia católica como Giovani Papini, me gusta mucho algunas filosofías como la Zen, el budismo me atrae, los pensamientos y ejercicios de Taichichuan, búsquedas de meditación y me interesan los deportes individuales como el atletismo como una rutina diaria y ver por ejemplo a los gladiadores modernos como el boxeo y las artes marciales mixtas, porque veo gestos y movimientos abundantes en materia de contorsión y me interesa el cine de terror.

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Experimentar con diversas tonalidades y corrientes artísticas es el sello del maestro. 

¿Cuál es su enfoque espiritual?

Me atraen mucho las lecturas de la Biblia, generalmente del antiguo testamento, en donde hay muchas o demasiados relatos de situaciones de ciencia ficción y en donde más está señalado es en el Apocalipsis, el cual me parece el libro de terror del Vaticano. 

¿Qué tan importante es su familia para usted?

Yo seguí buscando en la vida alguien que me diera respeto y que tuviera claro lo que yo soy. Entonces encontré, después de decantar mucho mis principios, a Iliana Castellanos, ella es mi alma gemela, llevamos 20 años juntos y eso es mucho porque a mí no me duraban las personas más de dos años. Por su parte, Alejandro Magno, mi hijo, es una de mis bendiciones más grandes, es un niño inteligente, cariñoso y compasivo con grandes cualidades de afecto y lo demuestra con las personas, no le molesta que su padre sea muy mayor, siente que mi barba es un distintivo poco común hoy por hoy.

¿Cada cuánto se reinventa artísticamente? ¿Cómo se da ese proceso?

Se me van presentando tonalidades, a veces comienzo a sentir que estoy lleno de demasiados colores alrededor mío, entonces busco la asepsia, ahí me pongo a dibujar gris blanco, negro o tinta de forma ortodoxa, pero una vez el recorrido ha estado lleno de bastantes averiguaciones, ideas, texturas, etc, paro. Para mí el escorzo es muy importante, siempre me han gustado los gestos de incitación como el barroco, luego vuelvo al color, estudio otras posibilidades dimensionales, me pongo en la tónica de buscar superficies que no son tan convencionales como la lona de camión, las superficies que tienen que ver con materiales como la madera, me interesa ver el comportamiento de la pintura en vidrio o acrílicos, busco mucho la influencia de la imagen que se puede hacer sobre superficies como son cuadernos usados de mi propio hijo o de otros, hago una serie de molesquines en los que dibujo, repito, tacho y creo significados y formas y construyo cuadernos de artista, también me interesa el arte serial como una difusión del arte mismo. Soy ferviente admirador de todo artista que explora o experimenta constantemente.

¿Qué es lo que más le atrae del arte urbano? ¿Cómo lo ha implementado en su obra?

Al principio me atraía como un ejercicio de contemplación y admiraba en los jóvenes lo que hacían ellos, o artistas más formados, pero que se arriesgaban a tomarse un sitio y a protestar haciendo una bella obra. Una pieza como el grafiti puede llevarse a otro material y ser incluso adquirido por el Estado, pero en realidad, a los jóvenes les atrae lo efímero sin importar exponerse, son guerreros de primera línea y a veces no piensan en el impacto que pueden generar en la ciudad y la molestia que pueden producir para cierto tipo de público.

Es tan urbano un tatuaje, llevar una imagen permanente hasta la muerte o perpetuarla en la piel. Yo apoyo las manifestaciones de los artistas, pero lo que cuestiono es que sea un arte que tenga un sentido espiritual, cuando en realidad, no es efímero sino sorpresivamente bello. Hay varios artistas que realizan arte en el pavimento, haciendo una serie de composiciones bellas, casi que reales, en tiempo récord y que se los lleva la lluvia a los días de culminar. Otros se dedican a perspectivas difíciles, haciendo que el dibujo se pueda ver de diversas formas y no solo el punto fijo.

Todas estas manifestaciones son las que a mí me atraen. Es muy feo la obligación estatal de que se conviertan en artistas de proyectos y no espontáneos, sustentando obras de forma muy compleja. Para mí, el artista debe ser un ser espontaneo, libre, feroz, capaz de decir y no creer mucho en las políticas estatales, porque no existen personas con la suficiente capacidad de ser grandes visionarios y gobernantes que vean con respeto las producciones de los artistas.

¿Cómo ve usted el panorama del arte a nivel local? ¿Todo se ha convertido en arte contemporáneo?

Si, desde luego. Todo lo que hacemos hoy por hoy en el siglo XXI es arte contemporáneo. En cada siglo existe una especie de contemporaneidad, ahora lo que sucede es que el encuentro con la tecnología ha hecho que reaccione toda la masa de artistas jóvenes hacia tendencias que tienen que ver con el ordenador o lo fílmico, pese a que son situaciones de índole muy especializada que tienen que ver o con la fotografía o el cine. Por ello, el artista ahora debe hacer doble carrera, estudiar bellas artes y luego cinematografía para entender un poco en qué consiste una instalación muy bien hecha.  

¿Hasta dónde piensa llevar su pasión por el tatuaje?

Debido a los años, ha sido difícil que se hagan trabajos muy laboriosos, pero siempre que haya un acontecimiento importante me tatúo. Tengo pensado tatuarme y raparme la cabeza en un futuro. Espero cuando muera, donar mi piel como recuerdo y crear una obra de arte. También si se puede, donaré un órgano para alguien que lo necesite.

¿Qué obra se encuentra desarrollando en estos momentos?

Estoy haciendo una serie que se llama “Observacionales”, son una serie de trabajos, algunos en dibujo con vidrio, pero casi la mayoría van en formato de tela libre. También he venido haciendo otras piezas que no necesitan enmarque, que van a ser telones grandes en donde voy a expresar muchas situaciones de la vida, estoy trabajando ahora por ejemplo, en la observación de la tristeza, la cual tiene diversos gestos, de intención expresionista, por lo que son bastante exageradas las formas, pero he buscado que sean muy impactantes y directas también. Los dibujos son de un metro con 50 y las telas, la más pequeña, tiene 2 o 3 metros y la más grande mide 2 metros por 7 metros.

En estos momentos, vuelvo al color y me interesan espacios de diferentes tonos y los estoy trabajando con la simplicidad que tiene el dibujo, de figuras o fantasmas. Las obras de la  serie se podrán colgar como telones. Para mí es importante lo que dice la tela, como también la rutina de mezcla de elementos o pigmentos y la forma con que se manejan los colores según las diversas propuestas que se generan continuamente. 

Me hacen falta muchas obras todavía, pero planeo mostrarlas en diversas ciudades del país y luego llevarlas a Europa, estamos trabajando para ello. “Observacionales” se terminará a final de año, periódicamente se podrán ver cosas que estoy haciendo, por ejemplo, en estos momentos las personas podrán ver videos colgados en mi perfil de Facebook, en donde hago cápsulas de pocos minutos sobre la realidad actual del arte. }

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Una de las obras que hacen parte de la serie ‘Observacionales’ que se encuentra realizando el maestro. 

Fan Page del maestro 

 

 

Andy Warhol cumple 85 años

“La idea no es vivir para siempre, la idea es crear algo que si lo haga”. Andy Warhol
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Andy Warhol

El pasado martes 6 de agosto, el artista revolucionario y visionario Andy Warhol cumplió 85 años, lo cual convierte esta época en imprescindible para hablar de su influencia en el mundo contemporáneo. Fue el pionero de lo que hoy todos conocemos como la “Cultura Pop” a través de su mayor invención, el “Pop Art”. Más que nadie supo, en los años 60’s y 70’s, del poder que tendrían en el futuro los medios de comunicación y la publicidad para hacer famoso a cualquier persona en sólo 15 minutos. Visibilizó a diversos artistas, intelectuales, aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos. La mayoría de ellos quedaron inmortalizados con su arte, en el que se incluía la pintura, la ilustración, el cine de vanguardia y la literatura. Por su fama y polémica que causó en vida, es considerado uno de los artistas más influyentes del siglo XX por su obra irreverente.

En los sesenta definió un proceso mecánico de serigrafía, mediante el cual reprodujo series dedicadas a Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse-tung, así como su obra más conocida con base en latas de sopa Campbell. Impuso su moda pop en una época marcada por la guerra de Vietnam, la revolución de Mao, el asesinato del presidente Kennedy, el suicidio de Marilyn Monroe y el festival Woodstock. De esta manera una elite artística entre los que destacaban modelos como Jane Shrimpton, Twiggy y Verushka; fotógrafos como Richard Avedon y Helmut Newton; diseñadores como Mary Quant, Raymond Clark y Stephen Sprous y músicos como los Rolling Stones y los Beatles rigieron los gustos del mundo.

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Collage sobre Andy Warhol y sus obras

Como ilustrador y diseñador gráfico trabajó para diversas revistas como Vogue, Harper´s Bazaar, Seventeen y The New Yorker. Hizo pruebas de video a Bob Dylan, Paul America, Lou Reed, Velvet Underground, entre otros. Sus nubes, que actualmente vuelan de su museo en su Pittsburgh natal hasta el Artisphere en las afueras de Washington, son uno de sus mayores emblemas. También su entorno con las drogas, su rebelión y su herencia católica es otra de las tantas cosas por las que se le recuerda. En 1963 fundó The Factory, su famoso estudio de Manhattan, donde el artista reunió a su alrededor a una camarilla de estrellas porno, drogadictos, drag-queens, músicos y librepensadores que le ayudaron a elaborar sus cuadros y actuaron en sus película. En el 2007 salió una película llamada “Factory Girl”en la cual se reflejan los excesos de aquella época y la relación de Warhol con una chica llena de problemas.

El arte de Warhol propuso el “Factory Girl look” que estaba inspirado en su musa Eddie Sedgwick. Accesorios gigantes, motivos en blanco y negro, vestidos tipo trapecio y ojos maquillados al estilo `smoky´ fascinaron a las mujeres de los 60 e inspiraron a diferentes diseñadores de moda que reinterpretaron el icónico trabajo Warholiano en prendas. Con este movimiento artístico, Andy revolucionó la industria del arte y la publicidad convirtiendo a cosas cotidianas (como una lata de sopa, un zapato, una pistola, un billete de un dólar) en símbolos para una generación.

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Andy Warhol con Eddie Sedgwick

Después de 25 años de su muerte, Andy Warhol es la figura más reconocida en el ámbito del Pop Art. Durante el 2013, y por tercer año consecutivo, las obras de Warhol arrasaron en las subastas, con unas cifras de venta que llegaron a 329 millones de dólares. El pasado mes de mayo, un lienzo pintado con orina del artista se vendió por más de 93.000 dólares en una subasta en línea, en la que también se ofrecieron fotografías que Warhol realizó a la clientela del mítico club neoyorquino Studio 54.

“Warhol fue el más pasivo de los revolucionarios modernos. Nunca se enfrentó a nadie ni alzó la voz. Nunca desafió nada de manera directa ni criticó abiertamente el status quo. Siempre pareció hacer lo correcto en la medida de lo posible, a la vez que, sin darse cuenta, lo ponía todo patas arriba y provocaba una revolución”, asegura el galerista y crítico Dave Hickey en su la biografía visual ‘Andy Warhol “Giant” size’.

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Tumba de Andy Warhol

Para conmemorar esa fecha, el Museo Andy Warhol de Pittsburgh transmitió en vivo desde la tumba del artista pop. El proyecto, en asociación con la red de cámaras por internet EarthCam, arrancó el lunes a la medianoche. Eric Shiner, director del museo, dijo que el proyecto se titula “Figment” (Imaginación) por una declaración que Warhol hizo: “Siempre pensé que me gustaría que mi propia lápida estuviera en blanco. Sin epitafio ni nombre. Bueno, en realidad, me gustaría que dijera ‘Imaginación’”. Cientos de personas visitan la tumba de Warhol cada año y muchos de ellos dejan objetos donde destaca su arte, como las latas de la sopa Campbell’s y botellas de Coca-Cola.

Por su parte, en Perú se realizará el Lima Photo 2013, una feria internacional de galerías de arte especializada en fotografía, en donde varias imágenes tomadas por el artista estadounidense Andy Warhol serán exhibidas al público desde esta semana hasta el domingo. Reunirá a 28 galerías de Argentina, Bolivia, Canadá, Colombia, Cuba, España, México, Perú, Suecia, Uruguay y Estados Unidos, que presentarán unas 500 obras de 150 artistas.

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Lo que no sabías de Andy Warhol

Museo Andy Warhol

Frida Kahlo, la artista indomable de América

“Pies, ¿para qué los quiero si tengo alas para volar?”

Frida Kahlo

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Frida Kahlo

Ella fue polémica, irreverente, demasiado única e incomprendida para su tiempo. Durante toda su vida experimentó de mil y una formas el dolor, el amor e incluso la locura, lo cual la convirtió en una artista prolífica y incomparable a la hora de retratar su vida a través del arte. Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón nació el 6 de Julio de 1907 en Coyoacán, México. Vivió como pocas, sin miedo a ser diferente, libre de prejuicios moralistas y falsas hipocresías. Fue reconocida y admirada por artistas famosos como  Pablo Picasso, Wassily Kandinsky, André Bretón y Marcel Duchamp, pero fue hasta su muerte, en los años 70’s, que el mundo supo quién era ella y conoció su obra original y desgarradora.

Su infancia estuvo marcada por la tristeza y el sufrimiento, desde temprana edad sufrió de distintos tipos de enfermedades, lo cual hizo que permaneciera bastante tiempo en cama. Por lo cual en el futuro, la soledad de esa época estaría reflejada en sus obras. A partir de esa etapa las relaciones con sus padres tuvieron un gran contraste, por el lado de su madre, se desarrolló una relación ambivalente de amor y odio,  a diferencia de la de su padre, la cual fue de cariño y cercanía.

A los 18 años su vida cambió para siempre, sufrió un  grave accidente cuando el bus en que ella viajaba fue arrollado por un tranvía, quedando aplastado contra un muro y completamente destruido. Regresaba de la escuela a casa, junto a Alejandro Gómez Arias, su novio de entonces. Su columna vertebral quedó fracturada en tres partes, sufriendo además fracturas en dos costillas, en la clavícula y tres en el hueso púbico. Su pierna derecha se fracturó en once partes, su pie derecho se dislocó, su hombro izquierdo se descoyuntó y un pasamanos la atravesó desde la cadera izquierda hasta salir por la vagina. Al respecto, Frida comentaba que habría sido esta la forma brutal en la que había perdido su virginidad.

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Autorretrato “La Columna Rota”

Tuvo que realizarse múltiples operaciones quirúrgicas, un promedio de 32 a lo largo de su vida y usar corsés de yeso de distintos tipos. A partir de ese momento la pintura se convirtió en su tarea diaria, llegando a conseguir su estilo personal tiempo después, el cual se puede definir como expresionista y surrealista con aspectos de cultura popular.

Para aquel tiempo, Frida ya sentía un gran interés por la política y los movimientos artísticos e intelectuales, en donde conoció a su futuro esposo Diego Rivera, muralista mexicano conocido por sus tendencias políticas comunistas. Su amorío que comenzó como una amistad informal, hizo que Frida tuviera un apoyo artístico a su lado, impulsándola a pintar cada vez más. A los 22 años, se casó con él y tuvieron un matrimonio marcado por el amor, aventuras con otras personas, vínculo creativo, odio, un divorcio en 1939 y un segundo matrimonio un año después. Algunos llegaron a decir que fue una unión entre un elefante y una paloma, pues Diego era enorme y obeso mientras que ella era pequeña y delgada. Por otra parte, Frida, debido a sus lesiones, nunca llegó a tener hijos, cosa que tardó muchos años en aceptar. Incluso, tuvo varias abortos.

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Frida y Diego

Las infidelidades siempre estuvieron presentes por parte y parte, a pesar de que se complementaban en otros aspectos. Frida fue una mujer de varios amantes, tanto de mujeres como de hombres, pues era bisexual. Su amantes más conocidos son León Trotsky, revolucionario ucraniano; y Chavela Vargas, cantante mexicana de origen costarricense. Con esta última se dice que entablaron una amistad especial, en donde la empatía y el erotismo estuvieron presentes.

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Frida Kahlo y Chavela Vargas

Un año antes de su muerte, Frida tuvo la oportunidad de tener la única exposición individual en su país durante toda su vida. En una de las críticas se dijo: «es imposible separar la vida y obra de esta persona…sus pinturas son su biografía». La exposición fue en la Galería de Arte Contemporáneo. La salud de Frida estaba muy deteriorada y los médicos le prohibieron concurrir a la misma. No obstante, llegó en una ambulancia, asistiendo a su exposición en una cama de hospital. Los fotógrafos y los periodistas se quedaron impresionados. La cama fue colocada en el centro de la galería y Frida contó chistes, cantó y bebió la tarde entera. La exhibición había fue un rotundo éxito.

Ese mismo año, le amputaron una pierna, lo cual la sumió en una profunda depresión e intentó el suicidio un par de ocasiones. Su desahogo fue escribir poemas en su diario, relacionados con el dolor y el sufrimiento. El 13 de julio de 1954 su alma descansó, sus restos fueron velados en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México y se cubrió su féretro con la bandera del Partido Comunista Mexicano. Su cuerpo fue incinerado en el Crematorio Civil de Dolores y sus cenizas se conservan en la Casa Azul de Coyoacán, el lugar que también la vio nacer. Ella se despidió con esta frase en su diario: “Espero alegre la salida y espero no volver jamás”.

Frida se mostró en sus pinturas coexistiendo tanto con la vida como con la muerte, también como productora de vida y energía, o como fuente de amor y de sentimientos. Fue sin lugar a dudas una mujer de contrastes muy fuertes, compleja de entender y llena de mitos alrededor de su personalidad. Asimismo, representó sin lugar a dudas un nuevo modelo de mujer que estaba naciendo: autosuficiente, fuerte y de características sexuales andróginas. Para el México machista de aquella época significó todo un cambio, ya que ella adoptó actitudes y rasgos varoniles. Ella  indiscutiblemente, contribuyó en la formación de un nuevo tipo de identidad para la mujer y es reconocida, hoy, como un símbolo.

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Ilustración de Fabián Ciraolo

En la actualidad, las artes han querido retratar su vida y obra rindiéndole homenajes especiales. La película Frida que se estrenó en el 2002, muestra a Salma Hayek en el papel de la famosa pintora. El vocalista de la banda estadounidense Red Hot Chili Peppers, Anthony Kiedi, dedicó la canción “ Scar Tissue” a Frida. Joaquin Sabina la recuerda en su canción “Por el Boulevard de los sueños rotos”, la cual en una estrofa dice: Diego Rivera, lápiz en mano, dibuja a Frida Kahlo desnuda.


Este año se cumplen 59 años de su partida y 106 de su nacimiento. Su legado sigue vivo entre nosotros, los que la admiran por su capacidad de abrazar su propio sufrimiento, los que se identifican con su sensación de ser extraña y rara, los que viven el arte a lo bohemio como ella lo hacía y sobre todo para los que como ella viven libres el presente, sin remordimientos, sin disculpas por ser auténticos.

Página Oficial de Frida Kahlo

Obra completa de Frida Kahlo

Diez frases para homenajear a Frida Kahlo

Recorrido virtual del Museo Frida Kahlo en la Casa Azul

Diálogos entre Frida Kahlo y Chavela Vargas

Chavela Vargas y Frida Kahlo, una amistad bañada de erotismo

El Graffiti de Haring, Expresión Multicultural

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Keith Haring en su estudio en Nueva York

Admirado por muchos y quizá por otros no tanto debido a su forma de ser irreverente, Keith Haring, uno de los artistas más polémicos del siglo XX, gracias a su fuerte sentido de crítica hacia la sociedad en general y por su marcado activismo social, contribuyó al nacimiento de la generación pop y a que por primera vez en varios años después del nacimiento del graffiti, éste se reconociera como arte, más que una simple moda callejera.

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Dibujos de Keith Haring en el Subway de Nueva York

Su habilidad innata de dibujar fue descubierta cuando era niño, lo cual lo impulsó a estudiar arte en Pensilvania y posteriormente en Nueva York. Su La característica principal de la obra de Keith Haring, fue que trasgredió todo lo que se pensaba que se podía hacer a través del arte, sobre todo en los 80’s. Los dibujos animados fueron su inspiración y elementos visuales como platillos voladores, personas, perros, bebés gateando, halos, pirámides, televisiones, teléfonos y referencias a la energía nuclear fueron sus protagonistas.

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Ignorancia=Miedo, Silencio=Muerte, 1989. Nueva York.

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Mural en Nueva York

Su soporte pictórico se basaba en distintos tipos de plataformas como papel, fibra de vidrio, lienzo, piezas de acero esmaltado, camisetas, vasos y vaciados en escayola de obras de arte conocidas, teniendo como influencia el arte esquimal, africano, maya y de los aborígenes, así como la caligrafía china y los all-over de Andy Warhol.

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Perro rojo (1985), escultura ubicada en Ulm, Baden-Württemberg, Alemania.

El estilo característico de Keith Haring era una mezcla de su perspectiva sobre la generación pop y la cultura callejera de Manhattan, dándole valor icónico a su Graffiti, además de impregnarle el sentido de peligro, por lo que se reconoce este arte en la actualidad.

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Tienda pop de Keith Haring en Nueva York

En definitiva, reflejó como ninguno la muerte, el nacimiento, el sexo, las drogas, la tecnología, la música rap, disco, las culturas cubanas y africanas. Mezcla de influencias que han inmortalizado sus obras a través del tiempo en varios géneros, incluyendo murales, escultura, posters y pintura corporal.

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Mural sobre el sexo, religión y el papel de la mujer en el mundo occidental.

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Dibujos de crítica sobre las drogas, la muerte y el sexo.

Su más famosa aparición artística fue cuando en el año de 1986 pintó el muro de Berlín. Su preocupación por los problemas sociales en el mundo siempre fue algo que lo incentivó a tomar medidas, por lo que creó tres años después la Fundación Keith Haring. A la edad de 31 años murió en Nueva York víctima del sida en 1990, de los ingresos procedentes de licencias que generaban la venta de sus chapas, sus camisetas, sus posters etc. todavía se destina hoy en día un porcentaje a la investigación del Sida.

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Keith Haring pintando el Muro de Berlín.

Madonna realizó un homenaje a su amigo Keith Haring en el 2008 durante todos los números de su gira mudial «Sticky and sweet tour», en el performance de la canción «Get into the Groove», se proyectaba una animación de 5:46 minutos donde se pueden observar diferentes personajes de la obra de Keith.

Esto demuestra una vez más, como el mundo sigue recordando su legado para el arte urbano y la cultura del graffiti. Su forma de expresar inconformidad permanecerá por siempre en las calles del mundo y en los jóvenes artistas que lo tendrán siempre por referencia debido su estilo inconfundible y único.

The Keith Haring Foundation

Exposición sobre Keith Haring en México

El Graffiti, Más que arte urbano

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Graffiti Callejero

A finales de los años 60´s, se empezó a experimentar en todo el mundo el despertar de la libertad y de la irreverencia en todo sentido, social, cultural en incluso política y económica. Distintos tipos de movimientos creativos y artísticos se estaban tomando el mundo, y uno de ellos, estaba naciendo, la revolución del Graffiti.

En 1967, se vio una explosión de nombres sobre edificios y paredes en todas partes de la ciudad de Filadelfia, Estados Unidos. Grupo de personas o graffiteros, escribían su camino por los lemas políticos que reflejaban el cambio social de una nación. Ese fue el momento en el cual los adolescentes en la ciudad de Nueva York empezaron a escribir sus nombres en las paredes de sus barrios, aunque en realidad utilizaban pseudónimos, creándose así una identidad propia en la calle. Estos chicos escribían para sus amigos o incluso para sus enemigos. Quizás el ejemplo más significativo y a la vez el más conocido por todos sea el de Taki 183, un chico de origen griego que a la edad de 17 años comenzó a poner su apodo.

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El famoso Taki 183 dejando su seudónimo en una pared de Manhattan

La mayor parte de los números reflejó la numeración de la calle en la que los autores vivían, por ejemplo: Taki 183, SEN TFKFranquean 207Tree 127Julio 204Cay 161Junior 161Eddie 181; eran todos los grafiteros del lado superior del oeste de Manhattan, en la mayor parte de historias del temprano graffiti en Nueva York. En los otros distritos municipales por lo general se hicieron pequeños cambios, pero no hay que negar que Lee 163, del Bronx, Undertaker Ash y Friendly Freddie, de Brooklyn y muchos otros han sido tan significativos como los de Manhattan.

A partir de ese momento, se hizo necesaria la creación de un estilo, tanto en la caligrafía, como en los métodos de ejecución o incluso los lugares utilizados para dicho fin. Sobre 1970 y durante toda esa década van naciendo diferentes estilos de graffitis,  en una especie de “guerra de tribus” que permitió apuntalar el crecimiento de esta  expresión artística. Brogway Elegant, Brooklyn y Bronx son algunos de los estilos mencionados, que marcaban diferencias en cuanto al tipo de tipografías desarrolladas o los motivos empleados para hacer graffitis.

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Broadway Elegant

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Brooklyn

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Bronx

Como se mencionó anteriormente, este sistema “inocente” de firmar los muros se convirtió en toda una moda, y jóvenes particularmente de la etnia afro-americana y seguidores de la música Rap y Hip-hop; estampaban sus firmas en los lugares más insólitos y la mayor cantidad de las veces posibles, la idea era superar a otros que como ellos hacían lo mismo y sin quererlo gestaron una de las culturas urbanas más contagiosas y extendidas de todos los tiempos, no solamente en Estados Unidos de Norte América, sino también en Europa y posteriormente en todo el mundo.

De manera paralela pero a otro nivel el artista Keith Haring, pintaba sus “obras” en pósters que él mismo pegaba en sitios públicos, su sistema inicial consistía en pegar una superficie a pintar “cartón Durex” y otros tipos de papeles, una vez colocado su “lienzo” empezaba a dibujar o pintar sus obras con pasteles, sanguinas, marcadores, etcétera, siempre en sitios públicos, posteriormente empezó su trabajo como muralista en las diferentes estaciones del metro en la ciudad de New York.

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Keith Haring pintando en el muro de Berlín

Estas fueron las primeras bases para el inicio de la revolución del Graffiti en las calles del mundo, fue el momento decisivo en el cual los jóvenes se arriesgaron a dejar volar su imaginación en los lienzos de concreto buscando comunicar a la sociedad cosas que ni ella sabía que ya no eran ocultas.

El estilo de la Broadway Elegant

El estilo de Brooklyn

El estilo de Bronx

Sobre el Hip – Hop y el Graffiti

Keith Haring, el padre del street art

Conmemoración del natalicio de Pedro Nel Gómez

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Autoretrato Pedro Nel Gomez Museo Antioquia

El pasado 4 de julio se conmemoró la fecha del natalicio del paisa Pedro Nel Gómez, quien es junto a Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros, uno de los más importantes muralistas latinoamericanos del Siglo XX. Se destacó de los otros dos, al ser un visionario, ya que siempre pintaba para el futuro, para las generaciones del porvenir, lo que veía en el pasado y el presente.

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Mural Las Fuerzas Migratorias

Este hombre, que al tiempo se desempeñó como ingeniero, arquitecto, urbanista y profesor universitario, fue admirado y elogiado, pero también odiado y vetado por la clase dirigente de su época. A diferencia del movimiento muralista mexicano, Pedro Nel como precursor del muralismo en Colombia, buscaba educar, sensibilizar, crear consciencia de nuestra historia, idiosincrasia y cultura a través del arte.

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Mural La República

Su aporte al muralismo latinoamericano fue que narró los mitos y las leyendas, criticó las injusticias, expuso las transformaciones, se adentró en la historia de sus antepasados, reflexionó en torno a la ciencia, el arte y la humanidad para el contexto del continente.

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Mural La Sensualidad del Trópico

Asimismo, a través de sus murales fue precursor de igualdad social y política en América Latina en cuanto a la mujer, en el contexto de su maternidad, buscando respeto por ella y la legitimización de sus derechos en la sociedad.

Google conmemora el natalicio del pintor colombiano Pedro Nel Gómez

Casa Museo Maestro Pedro Nel Gómez

Cronología de vida del maestro Pedro Nel Gómez